ÅFJORD ART MONTH
Åfjord Art Month er en kunstfestival som finner sted i november måned hvert annet år. Her kan du oppleve ung samtidskunst fra inn- og utland på forskjellige steder i kommunen. Hver Art Month har sitt eget tema.
I 2023 satte vi fokus på uskrevne spilleregler. Altså den kunnskapen vi alle har om hvordan vi oppfører oss, snakker i en bestemt situasjon eller på et gitt sted. I kirken, på skolen, rundt middagsbordet, når du møter noen som er syk, eller om noen har bursdag. De tingene man kjenner og vet at man bør gjøre, når man er kjent med et sted.
I 2025 setter vi fokus på hva steder betyr for oss. Stedet du bor, stedene du har bodd og stedet du vokste opp har formet deg. Det former minnene dine og har kanskje betydning for hvem du er i dag? Kunstnere som kommer til Åfjord fra et annet land eller et annet sted i Norge, opplever våre steder på en annen måte enn oss som kjenner dem. Derfor inviterer vi kunstnerne til å skape verk som tar utgangspunkt i det de inspireres av når de oppholder seg i Åfjord en periode. Kunstnernes verk vises i november 2025.
Open Call
Bakgrunn
Åfjord Art er etablert for å vise at kunst kan gjøre en forskjell også utenfor de store byene. Det er Åfjord kommune som står bak, og målet er å vise ung kunst der folk bor, og å undersøke nye formater og nye utstillingsplattformer. I Åfjord er vi opptatt av hvilke former kunst kan ta, og hvor den kan være. Hva skjer når man tar kunsten ut av museet? Hvordan kan kunsten finne nye plasser og nye former? Og hva betyr det for et samfunn at kunst og kunstnere er til stede? Vi ønsker å skape flere utstillingsmuligheter for unge kunstnere, og går gjerne utradisjonelle veier for å finne nye steder hvor kunsten kan få plass. Vi undersøker utstillingsformatet og utforsker grensene for hva en utstilling kan være.
Åfjord kommune ligger på Fosenhalvøya i Trøndelagsregionen i Midt-Norge. Naturen her er storslått med hav, fjell, et rikt dyreliv og mer enn tusen innsjøer og elver. Det bor 4339 personer i Åfjord. Det er 3,2 personer per kvadratkilometer, så man må strekke seg for å nå hverandre.
Vi jobber sammen med unge kunstnere som ønsker å skape kunstverk som springer ut fra lokale undersøkelser, der menneskelige relasjoner og lokale kontekster blir sentrale for verkene. Vår tilnærming til kunst har fokus på det relasjonelle og det sosiale miljøet. For å låne fra Nicolas Bourriaud, arbeider vi med kunsten som et sosialt mellomrom. Denne kunstforståelsen står i kontrast til en mer tradisjonell tilnærming, hvor kunst forstås som et isolert objekt. Hos oss er kunstverket ikke nødvendigvis et fysisk objekt, det kan også være en handling.
De utstillingene vi lager, produserer ny kunnskap om hvordan kunsten inntar et sted og hvordan kunsten plasserer seg i en større samfunnsmessig sammenheng. Vi legger vekt på at kunsten skal skape møter mellom kunstneren og oss som bor her. Med våre kunstprosjekter undersøker vi sosiale forbindelser, og vi beveger oss ofte på grensen mellom kunst og det levde livet. Verkene lages primært til befolkningen, deres venner og familier, samt dem som besøker kommunen. Mange, både fagfolk og andre lokale, følger med på sidelinjen og hjelper kanskje med materialer, kunnskap, innkvartering m.m. Du vil derfor ha direkte tilgang til mennesker med inngående kjennskap til lokale forhold.
Deltagende kunstnere 2023
(f. 1995) er en dansk kunstner. Hun arbejder primært med genbrugsmaterialer som papmache, pap og flamingo og hendes praksis er baseret på video, installation og skulptur. De seneste 3 år har hun studeret på Kungliga Konstinstituttet i Stockholm og dimitterede med sin BFA i foråret 2022.
Igennem arbejdet med sit koncept hun kalder "Radical Happiness", bruger Skronski humor og latter som aktivistiske redskaber til at bekæmpe den barske virkelighed, vi lever i. Ved at få sig selv og forhåbentlig andre til at grine, udfordrer hun en af de største sygdomme i vores samfund; stress! Ved at sprede glæde og lave "børne-tv for voksne".
En dobbelthed er altid til stede i Skronskis værker, som er kendetegnet ved en glad, gør-det-selv, barnlig æstetik. Men de rummer også en slags uhyggelig, bevidst forvirring. Som til en barnefødselsdag, hvor klovnen skal være sjov, men er den virkelig det? Vi befinder os i et grænseland mellem fantasi og virkelighed, mellem skønhed og afsky
Skronski har haft flere soloudstillinger i Stockholm og København, og hendes værker har været udstillet på steder som Nicolai Kunsthal, Den Frie Udstillingsbygning og Galleri Christoffer Egelund; nogle af hendes værker vises permanent i New York City som en del af hendes Artist in Residency-program med Mark Cross.
In my practice, environmental sensitivity, politics, architecture, and heritage come together in pursuit of healing. The medium and techniques are constantly metamorphosing in response to the serendipities and contexts I encounter. With a sense of urgency and site-specificity, my projects vary from static visual installations to socially engaged practices.
After his master's degree in architecture at the Lebanese University (graduated in 2016), Jad El Khoury worked with war traces that are found on buildings of Lebanon. “Being from the first post civil-war generation, transforming accidental monuments of bitterness in the city into choreographed installations dancing with the wind, was a necessity”. A poetic method of rebelling against religious sectarianism. “Burj El Hawa” (Tower of the Wind, 2018) was the highlight of Jad’s war traces works, which he produced before moving to Oslo in 2020 to undertake the Master in Art and Public Space at Oslo National Academy of the Arts (graduated in 2022).
His work has been shown internationally and he has received awards such as the Arte Laguna Prize for Urban Art and Land art. He is currently starting a residency at Rådhuset i Oslo where he will be until 2024.
Amanda Brix Kolstrup (f.1996, DK) er en anden af de helt unge kunstnere, vi kommer til at se i Åfjord det kommende år. Hun arbejder med menneskekroppens fysiologi og anatomi med fokus på sygdom. Hun ser på de indre processer som sker i vores krop uden for vores bevidste kontrol, og undersøger den psykiske tilstedeværelse i dette. Det kommer til udtryk i form af hendes større balanceskulpturer i beton og træ.
”En krop som er presset helt ud til den fysiske og psykiske grænse. Der er ingen plads til forventninger eller pres udefra. Der er ingen normer eller kultur. Der er kun den rå krop tilbage.”
Med et afsæt i en fascination af hvor storslåede menneskekroppen er, hvor meget den kan udholde, tilpasse og udvikle sig, arbejder Kolstrup med større rummelige skulpturer og installationer. Hun danner et rum, hvor publikum møder værket med krop og sind samt en indirekte interagereren, som derved gør man kan danne en relation.
Utgangspunktet for arbeidene mine er et kritisk blikk på de sosiokulturelle maktstrukturene og hvordan disse påvirker livene til både enkeltindivid og grupper i samfunnet.
Vi mennesker defineres i møtet med andre og gjennom dette møtet plasseres vi i et hierarki, som påvirker hvorvidt vi tildeles eller fratas plass. Hvorvidt vi faller innenfor eller utenfor den vedtatte normalen. Hvorvidt vi er synlige eller usynliggjøres.
At noen er mer synlige enn andre vekker en sterk nysgjerrighet og en trang til å forstå hvorfor det er slik. Menneskelige relasjoner er preget av det vi ikke kan se og kunsten er min måte å tolke og forstå de usynlige mekanismene, som former vår menneskelige sameksistens.
Kunsten min oppstår i en stedsspesifikk prosess. Steder og rom kan inneholde fortellinger som er viktige å synliggjøre. Med idéen som utgangspunkt varierer det visuelle uttrykket fra verk til verk. Valg av materiale kan like gjerne bestå av et fravær av materiale. Resultatet er installasjoner og stedsspesifikke arbeider, og nå senest relasjonelle, performative verk. I størrelse forholder verkene seg til menneskekroppen og utstillingsstedet. Arbeidene har en utforskende tilgang til grensene mellom utstillingssted, verk og publikum.
(1984, DK/NO)
Det er i den nære intime sfære jeg finner både materialer og tematikkene mine. Her plukker jeg opp materialer fra de ytre omgivelsene; det værende setninger, stemninger eller fysisk materiale kastet av andre, og bruker det. Jeg er opptatt av det helt banale og hverdagslige, noe ofte ubetydelig som folk sjeldent biter merke i. Bevæger mig omkring med et omverdenømfindtligt blikk og finder mine åsteder i det lokale nærmiljø. Det handler om at være til stede, observere, undre på og omsætte det sete og skete til konkrete materialer man kan arbeide med.
Jeg jobber hovedsakelig serielt og prosjektbasert på tvers av medier med materialer som papp, papir, tre, tekstiler og grafikk, der oftest munner ut i skulpturelle total-installasjoner alt etter et gitt prosjekt og dets kontekst.
(f. 1989, Hamar/NO) benytter seg av medier som veksler mellom å være digitale og analoge; performance, skulptur, poesi, fotografi, artistbooks - hvor flere enkeltverk gjerne inngår i totalinstallasjoner gjennom ulike konstellasjoner og titler. Her vises et oversiktsbilde fra hennes utstilling “The advantages of depression (season two)”, vist på Kunstbanken senter for samtidskunst (Hamar, 2022). Den besto av fire skulpturer, veggmaleri og en artistbook.
Selv sier hun om sitt kunstnerskap: "Maksimalisme appellerer til meg med sin lekenhet, mønsterdannelse, repetisjon, det er lag på lag - buffé istedenfor á la carte. Gjennom en pop-palett utforsker jeg aspekter ved den menneskelige tilstand knyttet til bekymringer, stress og depresjon. Førende for mine arbeider er at de tar direkte utgangspunkt i en sårbar personlig erfaring eller relasjon. Disse personlige erfaringene knyttes jeg til popkultur og den tilsynelatende uendelige strømmen av bilder som finnes på de digitale flatene vi scroller oss gjennom. Slik blir den teknologiske samtiden sentral i mitt kunstnerskap, som jeg veksler mellom å beskrive, kritisere og glorifisere. Mine arbeider innehar ofte en dobbelthet i estetikk og tematikk. Jeg er ambivalent. Leken og seriøs. Tung og lett. Tragi-komisk.”
Amalia Fonfara (f.1985 GL) er uddannet billedkuntner ved NTNU og jobber i mange ulike medier som installasjoner, film, video, lyd, ritualistiske og deltakende perforamnces.
Med utgangspunkt i performance og nye medier, begynner Fonfaras kunstneriske arbeid en ontologisk undersøkelse av kryssingene av indre og ytre landskap gjennom introspeksjon av animisme og kontemplative helende praksiser, hvor essensen av sjel og materialitet er viklet inn i en helhetlig forståelse av livet.
Min kunstneriske praksis tett sammenvevd med mine studier og praksis innen animisme og sjamanisme.
Jeg er opptaget av hvordan det rituelle rom og kontakten til Moder Jord kan åpne for en dypere følt forbinnelse til materialiteter, land, våre egne og mere-end-menneskelige kroppe og historie.
Med fokus på magisk tenkning og ritualskaping innen kunsten, søker min praksis å åpne opp veier der kunnskapsoverføring i samtidskunsten stiller spørsmål ved postkoloniale tradisjoner og samfundsstrukturer.
Mit arbejde er ofte sosialt engasjert i lokale miljøer med fokus på kropp, hukommelse, og landskap.
I primarily focus on performance and sculptural artworks, working across various disciplines with inspiration drawn from stories, fables, theater, and film. Humor and playfulness are fundamental elements of my work. Among other aspects, I engage in the examination and questioning of established structures and the dynamics between artworks, their surroundings, and the audience.
Liz Dom (b. 1990) is a transmedia artist from Johannesburg, South Africa and MFA graduate from Kunstakademiet i Trondheim (NTNU) (2022). She is not insistent about a specific practice or medium and prefers an emergent, experimental approach, letting concepts guide visual research and arising narratives where expression and materials respond to theories, often socio-political in nature.
Her artistry investigates and exposes that beneath our daily, seemingly mundane and harmless choices, lie deep ideological motivation for our actions - we are all complicit in the world we create around us, and her work aims to create a stronger awareness of this.
Her artworks have a “learn-by-doing” approach, where the involvement of the viewer as a participant is intended to expose their thoughts and actions as individuals and investigate not only what motivates certain ideologies, but where exactly, in time and space it occurs.
Oppfør dæ som folk!
2023
PROGRAM
Fredag 3.11:
19:30: Åpning POP-UP'en. K-U-K, Trondheim
20:00 Performance av kunstner Amalia Maria Fonfara
Lørdag 4.11:
11:00 Bessaker. Presentasjon av billedkunstner Hedda Amundsen's verk
12:30 Hofstad ved Jettegrytene. Presentasjon av billedkunstner Line Prip's verk
14:30 Parken, Åfjord Sentrum. Presentasjon av billedkunstner Jad Khoury's verk
15:00 Parken, Åfjord Sentrum. Presentasjon av Amanda Brix Kolstrup's verk
15:30 Offisiell åpning av ordfører Erling Iversen, Å! Aktivitetshus, Åfjord Sentrum
Presentasjon av Åfjord Art Month ved kultursjef Jan Ove Berdahl
Presentasjon Alberte Skronski's verk
Presentasjon av Sandras Blichert´s verk
Søndag 5.11:
12:00 Linesøya, Øyholmen guidet tur av billedkunstner Liz Dom
Oppmøte på parkeringsplassen til Øyholmen. Vi beregner 1,5 time t/r til tur med åpning.
14:00 Performance på Stokkøya Strandbar av Malin Arnedotter Bengtsson